Por: Gerónimo Rivera Cano

Hoy inicia la exposición de Soledad Lagruta, hoy se abre un nuevo mundo más allá del mundo exterior húmedo y cuasi frío del espacio verde platense. Mundo reflejado en lienzo y a veces en palabras. Mundos captados por lo sensible. Capturados y expresados... Dados, estos mundos son dados a quien quiera degustarlos, a quien quiera dejarse atravesar por su inmanencia, por su confidencialidad... Su personalísima confidencialidad que grita mirando a los ojos, que gritan y agitan ondas de sonido en un ambiente que hace cuajar a la perfección el estar (sentirse y saberse estando) en un mundo más allá del mundo externo; más allá de septiembre, de las luces led y del gris citadino. Aquí hay color. Hay aromas. Hay sones de violines (Ailen Gisbert y Aldana Pernice) que, desde temprano, ya comienzan a entonar lo que luego será su espectáculo de la mano con lo pictórico.

La muestra se divide por diferentes etapas. Todo parece estar dado así sin más... Pero en realidad lo está en un orden provisto al que somos arrojados sin instrucciones. No es coercitivo, el orden no es transcripto en ordenanza a quien visita.

Al fondo de la muestra, sobre pared blanca se exponen obras unidas por un mismo objeto-significar.  Allí nos dirigimos con Soledad... Frente nuestro, “Taciturna”: la búsqueda eterna en caminos infinitos; Un globo en primer plano y esferas que nacen del centro: “Refleja el hecho de estar perdida, de buscar todo el tiempo una salida... Hacen cierto paralelismo con estar en búsqueda continuamente...” Casi obligatoriamente viene al recuerdo los tantos cuentos borgeanos que hilvanan esta idea y son inspiración para la artista plástica.

Al lado del lienzo, bajo mismo título, una poesía que, en igual idioma, pero de diferente manera retrata otro sentido más de lo pictórico: “No busca dar explicación a la imagen” -comenta la autora-.
El verde: un laberinto formado por vegetación; es donde los muros respiran... Lo gris está arriba: lo que se llama cielo; donde van esas esferas que también son grises. El globo rojizo nos invita a iniciar el recorrido. El deseo como potencia y como acto. Lo no sublimado.

Mientras partimos hacia otro lienzo, la artista afirma que “algunas de las obras son autobiográficas…” y que “hay mucho simbolismo en ellas”. Realmente parece que los lienzos reflejan un interior; que son representaciones cual espejos que primero contornearon la figura de su creadora y luego -ósea ahora- contornean la figura de otro... la de todes quienes se paren frente ellos.

Llegamos frente a “División de Bienes”: Retratada está una vaca con su oreja perforada por un código de barras y su cuerpo manoseado, ultrajado por cinco manos humanas. Un fondo rojo delante de una pared roja hace del estar frente esta obra una experiencia cuasi tridimensional.

“... Expresa (irónicamente) como a la vida de otro ser se la toma cual si fuese un bien, un mero útil... Y las manos retratan la voluntad de quedarnos con partes del cuerpo del mismo ser sintiente...”

El titulo grita por sí solo; de la mano con la obra es un quejido que logra intercalar al receptor. La mirada del animal se confunde. La aporía llega a su clímax. ¿La mercantilización nos ha despojado del sentir?
Se acerca una señora a Soledad. Seguidamente la besa y afirma “Parecen fotos tus pinturas... Te felicito.”
 

Los animales (como la vida silvestre en sí) son frecuentes en todo este mundo, por ejemplo en la ventana que se titula “Mas Loca Que Una Cabra” acompañada también por una poesía.
“(La obra busca) mostrar en carne viva lo que cada uno tiene” comenta Soledad y se lanza a explicar que “El caballo es por la infancia; a su costado, El nudo borromeo -tomado de Lacan capta los tres registros del ser hablante: Lo real, lo imaginario, lo simbólico-, el reloj representa al tiempo y las esferas son los pensamiento; el elefante representa el dinero y el azar es representado por las cartas. Todos estos elementos constituyen la psiquis de cada persona...”

La perspectiva de la cabra sobre el diván da la idea de búsqueda reivindicatoria para esa cabra tan vapuleada, menospreciada y negada en su integridad. Frente a su observar tranquilo se representa toda simbología. Y también frente a su mirar estamos, meros espectadores; símbolos también de lo que constituimos. No nos juzga pero nos cabe preguntarnos ¿seremos cómplice o autores de esa segregación?

Le pregunto por una obra en particular. Me robó la atención su texto que comienza parafraseando a Soren Kierkegaard sobre la dificultad de aventurarse a ser uno, una misma en contraposición con la facilidad de ser una cifra en la multitud...
“Se trata de una obra realizada hace muchos años y de un texto urgente realizado antes de instalar la expo...” me especifica soledad. Estamos frente a “Puesta En Escena”.
Nosotros y ese mundo exterior es una máquina perfecta, implacable: constituimos lo que nos dijeron que se llama realidad. Allí no está permitido andar de extranjero aunque se diga del espacio que es compartido. Allí nosotros actuamos, y ese mundo exterior es esa gran puesta en escena. Pero el engranaje sin aceite no funciona. Hay salida. “Si algo ha de valer la pena será aquello que nos permita aventurarnos en el camino del deseo propio. Es allí donde empieza el verdadero viaje.” Escribió Soledad, abriéndonos la frontera de su cosmovisión.

El tiempo corre, no se detiene, la sala se comienza a poblar y el contacto de la artista con su público es una comunión que se renueva constantemente. Ramos de flores “para una maestra que se lo merece”, abrazos, fotos de a montones. Otras artistas que expondrán y comparten la pasión por pintar, pasan a visitarla y felicitarla por la exposición. Dos señoras la buscan para inscribirse en el taller de pintura que ella dicta; “(Un lugar donde lxs almnxs pueden) ... Buscar y encontrar su propio estilo, la idea es no influenciar con el mío a los demás...” “Una cosa es corregir técnicamente, otra cosa es contaminar la expresión de la otra persona...” me comenta a mi antes de que otras personas se  acerquen a pedirle que anote su contacto en un trozo de papel.

Antes de finalizar la charla le pregunto si considera a alguna de sus obras expuestas allí como conducto de todo su mensaje. Me lleva frente al lienzo de (la) “Reina En El Bosque”, me explica que lo acabó de pintar en el año pasado:
Una pérgola, el verde, los colores de las flores, los árboles detrás; el cielo en el horizonte, una niña con un vestido azul que lleva una cola como de pavo real camina con semblante seguro por entre Su bosque.

“Tal vez no pueda elegir que flor crezca en él, pero si cuál tener cerca...”

No es una fotografía; Es un cuadro pero bien puede ser además, ventana.

Todas las obras de Soledad Lagruta son discursivas, interpelan la realidad así como la captan; interpelan lo subjetivo porque son sinceras... Crean y re-crean multi-versos; crean y re-crean a su mundo; son emisarias de mensajes que gritan en el lienzo buscando ser oídas por todo aquel que esté dispuesto. No cabe duda que dice la verdad cuando afirma que “la pintura su dialecto”. Para identificarse y re-conocerse allí, ser testigo de y en ese lugar otro, de un mundo compartido es menester ir hasta allí…

Soledad Lagruta (@soledadlagruta): es artista plástica nacida en Coronel Dorrego, el 2 de marzo de 1978. Desde el 2012 expuso activamente en diferentes ciudades de la Argentina y también en otros países (Estados Unidos, Italia y recientemente en la 4ta edición de la feria Fem xarxa d´art de Barcelona). Da clases de pintura en el Centro Cultural La Alborada (calle 58 entre 10 y 11 nro 774). Las obras mencionadas podés visitarlas en la sala A del Centro Cultural Islas Malvinas de 12 a 20hs. La entrada es libre y gratuita.